Con la intención de continuar explorando formas de colaboración entre artistas y galerías procedentes de Latinoamérica, surge esta nueva sección que se propone presentar prácticas artísticas visibilizadas a través de distintos grados de materialidad.
Andreína Agustí
En sintonía con la exposición REMITENTE, realizada en la anterior edición de ARCOmadrid, esta nueva sección continúa investigando otras formas de presentación de proyectos procedentes de Latinoamérica y da lugar a las necesidades actuales. La sección NUNCA LO MISMO, cuyo título corresponde a una cita del escritor Osvaldo Lamborghini, responde a la voluntad por señalar modos de hacer del arte procedente de Latinoamérica y por señalar como una de sus cualidades principales su variabilidad estética. NUNCA LO MISMO incluye propuestas realizadas, en su amplia mayoría, a través de técnicas y procedimientos manuales. Las características formales de tales propuestas permiten ser identificadas como pinturas, esculturas, instalaciones o vídeos y cada una de ellas ha sido conceptualizada como una pieza única. La sección contará con obras de nueve artistas de Latinoamérica representados por ocho galerías de Argentina, Brasil, Chile, Guatemala y Perú, así como una galería de Alemania con representación de artistas de la región. NUNCA LO MISMO ocupará el lateral del pabellón 9.
A continuación presentamos algunos de los artistas más destacados de la sección.
MAURICIO POBLETE (PASTO)
Mauricio Poblete (Mendoza, 1989) es un artista multidisciplinar que realiza performances, foto-performances, video-arte, fotografía, pintura, dibujo y objetos. Estudió las carreras Licenciatura y Profesorado en Artes Visuales de la Universidad Nacional de Cuyo. Su trabajo aborda los dilemas de su herencia mestiza, focalizando en la figura de la chola, una identidad cultural en la que se vuelven visibles las tensiones inherentes a la población indígena, donde conviven la explotación laboral, la marginación social, pero también su exotización estética y su circulación comercial. De este modo, el arte de Poblete proyecta, entre la denuncia política y el uso crítico de los estereotipos, un sofistacodo imaginario queer capaz de poner en crisis los paradigmas culturales y las taxonomías de género.
RODRIGO ARTEAGA (AFA GALLERÍA)
El trabajo de Rodrigo Arteaga hace referencias directas a las germinaciones de la vida, apuntando así a sus procesos y límites en la relación entre cultura y naturaleza. A través de intervenciones que realiza por medio de libros antiguos, lápices, recortes y plantas, propone una desarticulación de la funcionalidad de las cosas y la estabilidad del conocimiento científico (donde se construye la narración del conocimiento), transformando la función explicativa de ilustraciones médicas, mecánicas, cartográficas, etcétera.
SOL CALERO (CHERTLUDDE)
Una selección de acuarelas desarrollada recientemente por la artista Sol Calero, parte del proceso inicial para el diseño de un restaurante que se desarrollará en 2022. Este nuevo proyecto, con la ironía clásica de la artista venezolana, explora el restaurante como un espacio social en la cultura popular. Un proyecto de investigación y un intento especulativo de crear un restaurante, las obras en papel se presentan por primera vez en menús callejeros, mesas y tabletas como parte del diseño de un restaurante. Los dibujos están dispuestos entre sillas de bistró apiladas, en referencia a los restaurantes cerrados de la ciudad a principios de este año. Algunas de las obras son diseños para el interior del restaurante: manteles, papel tapiz, muebles, platos, etc. La práctica de Calero está en constante transición entre la instalación y la pintura, las cuales la artista procesa con igual intensidad. Los dos campos a menudo se fusionan, donde, por ejemplo, en una instalación, uno puede encontrar detalles que luego se ven en una pintura; las pinturas y dibujos sirven como contenedores para el aspecto conceptual de la obra.
Sobre el trabajo con medios específicos como la pintura y la acuarela, Calero afirma: "Uno puede llegar a un punto en el que casi parece como si la mano trabajara a la misma velocidad que el cerebro. Aprendemos a dibujar en papel, por lo que el instinto a la hora de trabajar es dejarse llevar y ser bastante libre, pero al mismo tiempo hay que ser concreto. Con las acuarelas no tienes muchas oportunidades de hacer correcciones, entonces uno tiene que proyectar la idea en un momento muy concreto, y Siento que es un tema fundamental porque te permite pensar rápido y tomar decisiones rápidas pero importantes".
SANTIAGO GARCÍA SÁENZ (HACHE GALERÍA)
Para la edición 40 aniversario de ARCOmadrid 2022, Hache Galería presenta una selección de obras del artista argentino Santiago García Sáenz (1951-2006). Esta selección de pinturas formó parte de la reciente exhibición 'Quiero ser luz y quedarme', primera muestra institucional y antológica de Santiago García Sáenz (Buenos Aires, 1955-2006) desde su muerte presentada en Colección AMALITA - Fundación Amalia Lacroze de Fortabat, en Buenos Aires, entre julio y noviembre de 2021, curada por Pablo León de la Barra & Santiago Villanueva.
Conocido principalmente como un pintor religioso y naif y, ayudadxs por la distancia en el tiempo, la exposición tuvo como propósito darle la vuelta a algunas lecturas pasadas para mostrar a un artista que, detrás de esa religiosidad -aunque fundamental para entender las tensiones y contradicciones en su vida y obra- presenta una gran complejidad debido en gran parte a la manera en que enfrenta a través de su trabajo los temas relevantes de su tiempo. De la misma manera, esta selección de obras presenta la obra de García Sáenz en relación a varios ejes temáticos: la búsqueda de una identidad latinoamericana en su obra, la intolerancia sexual y la martirización, el VIH/Sida en relación a sus trabajos y finalmente la presencia de la naturaleza como espacio de libertad, sanación y redención.