Ésta semana Madrid celebró el arte contemporáneo a través de cuatro grandes eventos: Art Madrid, en el Palacio de Cibeles; Urvanity, en el Colegio de Arquitectos; Drawing Room, en el Palacio de Santa Bárbara e Hybrid, en el Hotel Riu Plaza España.
Fue una celebración en todos los sentidos posibles: el reencuentro de los amigos amantes del arte (artistas, público, galeristas, coleccionistas, críticos, prensa...), la sobrevivencia a un año sombrío y doloroso, el buen hacer y la camaradería de cada uno de sus organizadores y para muchos, recoger los frutos sembrados durante todo este confinamiento.
'Arte en contexto... y viceversa' es el slogan con el que nació LICEO Magazine y el baremo seguido a la hora de pensar cuáles fueron los mejores trabajos de ésta edición en base a lo que nos mostraron y cómo nos enfrentaron al mundo en que vivimos.
10.- La violencia mola mogollón: Marco Prieto en White Lab (Hybrid Art Fair).
"Impactante, escalofriante, perturbadora, así es la obra de Marco Prieto. Dice de él, la revista hermana Esto no es arte. La agresividad, la impulsividad y la destrucción son las herramientas que Marco Prieto utiliza para crear su obra. Un trabajo abstracto en el que las pinceladas dejan vislumbrar la figura humana, aunque con cierta dificultad. Una obra donde el movimiento, el color y la textura se aúnan para mostrarnos un impactante y angustioso trabajo, en el que la violencia se hace palpable".
Con el tiempo, Prieto ha plasmado la violencia más seductora, más atractiva, más pop, y los chicos de White Lab Madrid le han ayudado en ese "divertido juego", convirtiendo su habitación en el Hotel Riu Plaza España un escenario inmersivo de luces y colores neón... porque al fin de cuentas la violencia ya no es algo lejano, sino algo que ya forma parte de nosotros éstos tiempos donde los valores se han invertido y la intolerancia se ha convertido en la norma. Ser el villano es simplemente "cool".
9. El consumismo nos ha consumido: Gastón Lisak en la Cadmium Gallery (Hybrid Art Fair).
'Sacred Plastics' es el nombre de la serie que Lisak ha presentado en la feria. Técnicamente hablando su propuesta es bastante sencilla: toma figuras encontradas en los mercados de antigüedades - usualmente santos, figuras mitológicas o religiosas - y las cubre completamente por láminas de plástico que va derritiendo para que se amolden a las figuras. Conceptualmente, el resultado es bastante poderoso. Éstas figuras, con las que nuestro inconsciente colectivo está familiarizado parecen ahogarse en éstos "plásticos sagrados", lo cual nos lleva inmediatamente a la reflexión: ¿no seremos nosotros los que nos estamos ahogando entre tanta basura no sólo física, sino informativa, que existe a nuestro alrededor?
"El arte despierta y activa, acoge y rechaza, y no debe dejar indiferente a aquel que mira. Se pueden contar muchas cosas a través del arte en un momento donde la infoxicación y la pérdida de atención son el pan de cada día. Además, si no confiamos en el arte y en su efecto movilizador, ¿qué nos queda?” contaba Lisak hace poco a Metal Magazine. El entorno nos contamina [...] Descuentos en tu email, swipe up de 24h, y el ‘new new new’ que hacen que nos llenemos de aparatos absurdos y sintamos que estamos desfasados cada dos por tres. Viajes low cost y la foto que tomaremos de algo que ya conocíamos antes porque Mr. Google nos lo había enseñado una y otra vez”.
Si vamos a tener algo en nuestra casa, que sea una obra de Lisak, por favor.
8.- La Madre Tierra nos necesita: Eva Quinteiro en Solaina (Hybrid Art Fair)
En contraste técnico con Lisak, pero con la intención de decir lo mismo, Quinteiro toma moldes de rostros de esculturas famosas: principalmente diosas mitológicas y los llena con tierra fresca, creando auténticos rostros que pudieran parecer de aquélla diosa Gea (Tierra) quien nos mira cara a cara y nos pide que nos contemplemos en ella. Pero es en lo efímero de la obra (se descompondrá tan pronto pase el primer viento) lo que la hace realmente simbólica: ¿cuán bella y a su vez frágil es nuestra existencia?
7. Nos volvimos todos locos o "de la histeria colectiva": Kiko Miyares, Autorun (Art Madrid).
Hace apenas poco más de un año, cuando la OMS declaró al COVID-19 una pandemia, que nos estábamos peleando en los supermercados por papel higiénico, mucho menos, que estábamos manifestando nuestro derecho a no tener salud (ir sin mascarilla) y prácticamente nada que estábamos divididos entre negacionistas y personas sensatas o incluso entre respiracionistas y... ¿zombies?
De y durante toda ésta histeria colectiva, Kiko Mayares se inspiró para trabajar en la que quizá sea su obra más grande o cuando menos la más importante: 'Autorun', una instalación de pequeños coches esculpidos en madera que parecen chocar y explotar entre ellos, armando un auto mucho más grande que muy bien podría ser la metáfora de toda una ciudad escapando el mismo día y a la misma hora para llegar pronto a la playa o a la terraza prometida en busca de la cerveza divina después de un largo día de sufrimiento. Ya sabemos cómo vamos a terminar.
6. ¿Hemos involucionado? Vicente Blanco, todo lo que fue tocado (Drawing Room 2021)
Quizá el resultado de esa explosión plasmada por Miyares, sea vista en la sutileza extrema de los dibujos que Blanco expone en Drawing Room. En ellos, no todas las respuestas están dadas, pues a Blanco le caracteriza su interés porque el espectador complete su obra, no obstante, hay suficientes indicios para pensar que en los mismos la línea entre hombre (¿civilización?) y animal (¿barbarie?) desaparecen.
Blanco nos invita a acercarnos, a mirar con cuidado, a indagar entre esas bestias con traje de señorones que parecen ir por la vida muy seguros de sí mismos, con esas poses que transmiten poder y control, mientras los educados animales les observan. Los más "inteligentes", sin rostro, pero aparentemente humanos, dejan la confrontación y se refugian en el sexo.
Oscar Alonso Molina, crítico de arte, quien escribió el texto para la exposición que podrá verse en solitario desde el 05 de Junio al 24 de Julio en la Galería Silvestre, dice al respecto:
"Las escenas de Vicente Blanco quieren ser narradas una y otra vez, con una insistencia que al cabo resulta casi desasosegante para el espectador, pues nunca se le ofrecen del todo, quedando insatisfecho del orden del relato que probablemente pueda organizar con los elementos fragmentarios que ellas mismas le ofrecen. Por otro lado, los efectos de ralentí (esa forma contemporánea de tragedia) a los que recurre el autor son fundamentales para conseguir tal suspensión del sentido: el significado se mantiene pendiente de un hilo, fluyendo muy lentamente por medio de una corriente mínima que no desemboca en el desenlace de la trama".
5. La Revolución será "queer o no será". Jean Puerto, de la galería Inéditad (Art Madrid); Laura F. Izuzquiza, Marcelo Mendonça, Randomagus y Pablo Sola, de Visión Ultravioleta (Hybrid Art Fair)
En el Palacio de Cibeles, la protagonista drag de 'Echinopsis', de Jean Puerto, se alza como diva absoluta de la feria. En la habitación 604 del Hotel Riu Plaza España, los vestigios de una orgía "queer" le sirven a la curadora Cristina García Moreno (Visión Ultravioleta) como puesta en escena de la exposición 'About Last Night'', de los artistas Laura F. Izuzquiza, Marcelo Mendonça, Randomagus y Pablo Sola. Tales "afrentas" tienen un significado más importante que nunca en éstos contextos y en éste momento histórico donde las divergencias sexuales vuelven a estar en el ojo de los tiranos, y donde sus protagonistas tienen un peso artístico y político más trascendental que nunca.
"Vamos a perdernos, a vivir un poco más intensamente para reencontrarnos en los abrazos y en los cuerpos, vamos a perdernos y a decirle a al mundo que somos libres aunque probablemente no lo comprendan". Dice Ricardo Recuero en el texto curatorial de 'About Last Night'.
4. Las mujeres van arriba. 8 de las 10 artistas más jóvenes de Art Madrid son mujeres: Isabela Puga, Violeta MacGuire, Silvia Flechoso, Anbel, Elvira Carrasco, Elisa de la Torre, Andrea Torres, Lara Padilla.
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3. Definitivamente, el coronavirus ha afectado nuestra identidad... y la del arte en general. Filip Custic, "Mascarilla hiperrealista". NFT en Onkaos (Urvanity Art)
No hay quizá en todo Urvanity, ni siquiera en la Semana del Arte en general una obra con la que todos podamos sentirnos más identificados que con el nuevo trabajo del artista hispano-croata, 'Mascarilla hiperrealista' (un vídeo en el que el modelo se quita una máscara en la que se desprende parte de su rostro), ese accesorio que irrumpió en nuestras vidas el año pasado para proteger nuestra salud... y finalmente nuestra identidad, nuestro estado de ánimo o nuestro físico. Custic lo hace además a través de la última tendencia del arte, el NFT o "criptoarte", que certifica que el vídeo en cuestión es suyo, original e irrepetible. Para la ocasión, la gente de Onkaos acompaña el mismo con el atrezzo utilizado para la grabación y lo coloca sabia y estupendamente junto al letrero real que nos recuerda su uso obligatorio.
"El hiperrealismo consiste en transformar el humano en objeto. Decía tiempo atrás Custic a The Cultural para referirse a su trabajo en general. Es un poco la ideología de “objetismo” pero sin serlo. Aquí no hay ser vivo, no se puede encontrar ningún limbo entre el objeto y el humano porque todos los elementos son objetos".
Al final, todos somos una mascarilla.
2. Toca buscarnos dentro: Alejandro Correa en Galería Artizar (Hybrid Art Fair).
El trabajo de Artizar es profundamente metafísico, místico, etéreo. Cuando todos miran fuera buscando inspiración, Correa mira y pinta su alma. Si bien, el paisaje está allí y el hombre se pierde dentro de él, no es un paisaje físico en tanto que espiritual el que lo rodea. No es fácil ser tan abstracto y al mismo tiempo tan conmovedor, pero cada punto de la obra de Correa lo logra de manera magistral.
Verónica Farizo nos dice sobre Correa: "La pintura de Alejandro Correa (Santa Cruz de Tenerife, 1984) nos trae un conjunto de imágenes fruto de visiones interiores donde la línea del horizonte o las personas que las pueblan aparecen desdibujadas y en extravíos. Su obra se mueve entre los fríos grises y el color ceniza, entre pinceladas aguadas y manchas difuminadas, entre la representación y la evocación. El resultado es una serie de imágenes fragmentadas, de instantes sugeridos que asoman desde la narración interna del artista, pues ante cuestionamientos existenciales, el pintor prefiere devolvernos la palabra camuflada en cada uno de sus cuadros."
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1. El futuro está en las colaboraciones: Cruzeiro Seixas, Javier Félix e Iván Villalobos en la galería Perve (Drawing Room 2021).
Mientras en la música y el canto (no hablaremos de otras artes que por su sola existencia ya ameritan el trabajo en equipo) cada vez se ha hecho más común el término "featuring" (colaboración), en la pintura o el dibujo ésto parecía prácticamente impensable o incluso innecesario, pero cuando vemos la propuesta de Perve inmediatamente entendemos lo revolucionario de la misma: tres artistas (Seixas ya desde otro plano) "colaboran" al unir en una misma pared sus obras y seguir trabajando a partir de ellas para crear una macro obra de arte donde los espíritus de los tres se conectan y se hacen uno solo.
El proyecto se inició en Lisboa como parte del ciclo de celebración del centenario de Cruzeiro Seixas (quien murió en Noviembre de 2020 faltando poco para completar cien años) y se realizó durante el Drawing Room con el objetivo de “homenajear al maestro surrealista portugués en la capital española a través de la propuesta de diálogo literario y plástico entre el maestro y dos artistas sudamericanos con los que Cruzeiro Seixas mantuvo contacto en vida, y cuya obra plástica refleja el caminar entre el sueño y el psicoanálisis”, según la galería.
Es hora de repensarnos y reiniciarnos como personas y como artistas y puede que la mejor manera sea descansando nuestro ego y aprendiendo a crecer con el otro.
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